В 2010 году исполнилось 5 лет со дня проведения первого театрального молодежного фестиваля «М.@RT.КОНТАКТ».
Конкурсный фэст, зародившийся еще в «лихие» 90-е на базе Гродненского драматического театра, впоследствии перекочевал в Могилев.
Предшественниками форума можно считать смотры «Надзея», на которых театральная общественность страны впервые познакомилась со многими дебютантами, ставшими впоследствии довольно известными на отечественной сцене. Это С. Зеленковская, П. Молчанов, Н. Башева, А. Кизино, Н. Горбатенко и другие.
СВЕРШЕНИЯ И ГУМАНИЗМ
Открывая новую страницу в театральной жизни страны, в 2005 году гродненскую эстафету принял Могилевский областной драматический театр, выступив организатором первого молодежного форума «M.@RT.контакт». Форум заместил собой сразу два фэста – гродненский молодежный смотр «Надзея», канувший в небытие в начале 2000-х годов, и фестиваль малых форм «Маладзечанская сакавіца», в котором принимали участие почти все столичные и многие областные театры.
Название «M.@RT.контакт» стало эмблемой и символом форума. Молодость и весна едва ли не синонимы! Поэтому «молодежный» – одно из слов, которое прячется под загадочной буквой «М» и означает «О молодежи и для нее». Ведь именно она является движущей силой театра, искусства вечно юного и вечно живого! Трактовать букву «М» можно еще и как «международный»: широкая география форума очевидна. И, несомненно, Могилевский, рожденный в этом древнем, красивом и богатом историей городе. Кроме того, Art – искусство. Могилевский фэст – действительно праздник настоящего театрального искусства. И, наконец, контакт – (от латин. сontactus – соприкосновение). Форум дает возможность для соприкосновения разным театрам, разным культурам, разным взглядам на творчество, подразумевает открытый диалог между всеми его участниками с целью создания единого творческого пространства…
Думаю, что эти идеи не остались в хронотопе фестиваля простой декларацией, а выступали каждодневно и ежечасно в качестве «руководства к действию». Результатом явилась особая творческая аура, которая воцарилась на фестивале. Этому способствовала также работа жюри на форуме. Экспертный совет, возглавляемый доктором филологических наук, профессором БГУ Татьяной Орловой, состоял из известных критиков, искусствоведов из Беларуси, России, Польши, Украины, Молдовы, Германии. «Молодую поросль» представил известный уже далеко за пределами СНГ драматург и киносценарист Андрей Курейчик. На фестивале работало и «параллельное» молодежное жюри из творческой молодежи.
По качеству заявленных спектаклей фестиваль оказался довольно интересным.
Репрезентативно представили театральный процесс большой страны-соседки российские спектакли театров из Орла, Перми, Ярославля, Санкт-Петербурга. Причем сделано это было с уклоном на эксперимент и, естественно, на молодежь. Здесь нашлось место и представлению «Ой-лю-ли, лю-ли» по пьесам Н. Коляды «Половики и валенки» и «Попугай и веники» в исполнении студентов-выпускников Ярославского государственного театрального института (запоминающиеся, полные юного задора и свежести работы В. Полозовой и А. Кочековой), и спектаклю «Белое на черном» (получил главный приз фестиваля) известного режиссера Г. Тростянецкого Орловского государственного театра для детей и молодежи «Свободное пространство». Российское театральное пространство было представлено коллективом из Нижнего Новгорода «ZOOпарк» и Пермским театром «У моста».
Все работы отличались новаторским подходом к драматургии и использованию сценического пространства, способам актерского проживания на сцене. Скажем, в спектакле нижегородцев «М-П», обозначенном как «пафос и метафизический намек на поэму Бенедикта Ерофеева «Москва – Петушки», все было обставлено сценически просто, если не примитивно (режиссер Ирина Зубжицкая). Действие проходило в монотонном ритме, на сцене – круговерть из чемоданов, которые постоянно вносятся и выносятся, ставятся на пол, служат перегородкой. Почти нет музыкального сопровождения. Зато есть свет… И в безжалостном луче прожектора – очень русское, очень страдающее лицо… Это – Веничка, в достоверном и сверхискреннем исполнении Олега Шапкова, который заставляет вспомнить о широте русской души. Нижегородский актер по праву был награжден специальным призом жюри «Лучшему молодому актеру форума».
Особо следует сказать о «десанте» Пермского театра «У моста» и его шумном успехе у могилевского молодежного зрителя.
Во-первых, этому способствовала педагогическая деятельность главного режиссера Пермского театра. Сергей Федотов показал мастер-класс в стиле своеобразно понимаемой методологии Михаила Чехова (весьма, следует признать, полезной для молодых актеров). Во-вторых, зрителям и отдельным театральным специалистам не могла не импонировать влюбленность уральского коллектива в творчество ирландского драматурга М. МакДонаха. Главный режиссер с упоением рассказывал, что пермяки посетили места, которые почти зеркально представлены в пьесах. Наконец, как пояснили представители российской театральной критики, М. МакДонах представлен наиболее полно за пределами родной Ирландии именно в репертуаре театра «У моста».
Пермяки показали два бесконечно спорных спектакля этого популярного современного драматурга Европы. Обе пьесы – «Сиротливый Запад» и «Красавица из Линэна» – фантасмагорические истории, закрученные на сложных психологических отношениях близких людей. Например, «Сиротливый Запад» начинается с вопроса одного брата к другому: «Зачем ты убил нашего папу?»
В спектакле, где есть убийство, два самоубийства и сцены пронзительного психологизма (с инфернальным началом), словно незримо присутствует насилие. Это производит шоковое воздействие на публику: происходит как бы сдвиг сознания. Некоторые молодые критики уверяли на обсуждении, что таким образом как бы открываются двери в новую духовность. Катарсический эффект, следует признать, был налицо: бывало, весь зал замирал, затаив дыхание, и длилось это не один десяток минут.
И все же, наберусь смелости сказать, я был категорически против присуждения молодежным жюри пермякам приза «За духовность». И дело здесь не в консерватизме (в известной степени, как «классическому» эстетику, присущему автору этих строк), а в понимании природы сцены. Ведь театр, как однажды обмолвился поэт, «увеличивающее стекло», и зритель не может (по моему глубокому убеждению, не должен!) оставаться равнодушным, когда на его глазах дочь становится убийцей старой матери, сбросив ее в инвалидной коляске вниз по лестнице (таков апофеоз спектакля по пьесе М. МакДонаха «Красавица из Линэна»). И, по моему убеждению, никакими театральными изысками антигуманизм на сцене не может быть оправдан, в какие бы модерновые одежды он не облекался!
Вот ведь удалось молодой молдавской актрисе Ольге Скориковой передать гибельную жертвенность своей героинив спектакле Государственного молодежного драматического театра «С улицы Роз».
Спектакль этот называется «Падам… падам» и посвящен судьбе великой французской певицы Эдит Пиаф. Режиссура и сценография спектакля (автор Юрий Хармелин) отличается лаконизмом и вкусом: на сцене ничего лишнего, ничего бытового. Очень тактично, в продуманных мизансценах появляются в сценическом пространстве фигуры, высвеченные софитами. Это люди, которые так или иначе встречались на жизненном пути певицы.
Потом они исчезают, появляются другие, но зрители завороженно смотрят в широко распахнутые глаза Скориковой – Эдит, заражаются сверхэнергетикой знаменитого французского «воробышка», преодолевают вместе с героиней страшные тяготы бытия и устремляются вместе с ней к вершине – подлинному искусству.
Хочу подчеркнуть, что великолепный результат достигнут не вопреки, а благодаря природе театра. И поэтому факт увенчания усилий кишиневского театра – Ольга Скорикова за роль Эдит Пиаф получила специальный приз жюри как лучшая молодая актриса форума – был встречен с удовлетворением и зрителями, и театральной общественностью, и сообществом театральных критиков…
СВОБОДА ТВОРЧЕСКОГО ВЫРАЖЕНИЯ
Можно сказать, что весь форум напоминал экспериментальную акцию.
Но из этого целостного пространства следует выделить эксперименты, осуществленные сугубо театральными средствами, но в различном плоскостном измерении, на разных уровнях. Самой высокой оценки, на мой взгляд, заслуживает спектакль «Чайка» по пьесе А.П. Чехова в постановке Римаса Туминаса, представленный на фестивале Государственным малым драматическим театром из Вильнюса. Знаменитый режиссер, спектакли которого видели во многих странах мира, ныне возглавляющий московский театр имени Евгения Вахтангова, осуществил постановку чеховской пьесы еще в стенах литовской консерватории. Здесь по традиции готовят и актеров драматических театров.
Дипломный спектакль… Возможно ли его появление на серьезном смотре театрального искусства? Вполне, если это творение несет на себе печать подлинной художественности. Остается только удивляться, как молодые актеры дополняют своей оригинальной игрой и энтузиазмом задумки гроссмейстера режиссуры. Метафорика, столь присущая литовской режиссуре, у Р. Туминаса строго геометрически расчерчена. Сценическое пространство распадается на две как бы противостоящие друг другу части. В левой царствуют ворота, в правой – пианино. Через левую часть сцены осуществляется приезд Аркадиной и Тригорина, а в это время в правой – игра метафорических метаморфоз: перевернутый стол, зеркало, в котором отражаются лица и реалии. Изумительная светоцветовая палитра: контрасты – белое и черное – постоянно перемежаются на сцене, в финале переходя в яркую золотистую гамму…
Актеры в «Чайке», как принято в современном литовском театре, отходят как бы на второй план, но поражает их ансамблевость, совмещенность таких различающихся актерских работ…
Незабываем финал спектакля…
Вот они сидят все в ряд перед рампой (суперфронтальная мизансцена, избегать которых учат уже на первых курсах режиссуры!), большинство из них играет в лото и обменивается репликами, и на фоне этой полубезмятежной дачной беседы происходит щемящее объяснение Нины Заречной и Константина Треплева. Объяснение, которое предшествует роковому выстрелу…
Стильный спектакль, где мощная режиссерская мысль дополняется неподдельным энтузиазмом молодых исполнителей!.. Показательно, что в отношении вильнюсского спектакля совпало мнение молодежного и «взрослого» жюри: создатели «Чайки» были отмечены призом «За лучший молодежный спектакль».
Но в центре экспериментального поиска на могилевском молодежном форуме все же следует поставить минскую постановку Евгения Корняга «Cafe «Поглощение», осуществленную при помощи продюсерского центра «Пан-студия». Е. Корняг, несмотря на свой, по режиссерским меркам, довольно юношеский возраст, обладает определенной известностью в театральных кругах.
Пять лет назад он окончил Белорусскую государственную академию искусств, несколько лет посвятил «переходу» от актерской профессии к режиссерской, поставил несколько спектаклей. Появление спектакля «Не танцы» на предыдущем «Март-контакте» произвело, по свидетельству очевидцев, фурор. Ныне сборный коллектив из молодых исполнителей показал, что поставленное этим молодым режиссером представление под странным названием «Cafe «Поглощение» иначе, как синтезом всего, чем «славен» постмодернизм: хэппенинг, перформанс, экшн, не назовешь.
Это просто вживание в бытие – состояние, которым живет «золотая» молодежь, живой отклик на «зов гламура», жесткие, рваные мысли о жизни, которая протекает на танцполе и вне его. Конечно, эпатажность поведения и некоторых выступлений героинь приводят обычного театрала, случайно попавшего на представление, в шок (показательно, что часть критиков во время показа демонстративно покинули зал).
А как может быть иначе, если в рвущей душу исповедальной манере одна из героинь «выдает» наставление, как использовать сексуальные стремления мужчин в качестве средства обогащения; другая – с ненавистью обрушивается на дитя, которое носит в своем чреве; третья закатывает истерики по поводу негромкого (по ее мнению) и не ритмичного звучания музыки? И все они танцуют на столиках кафе, но сквозь эпатаж все же выглядывает человеческая боль и исповедальность. Режиссер Е. Корняг в очередной раз продемонстрировал способность к острому современному видению и тонкому ощущению пластики. Но продуктивно ли стремление к новым оригинальным формам (что всегда украшает поиски молодых), если оно направлено на организацию внетеатрального пространства?
Молодой и новомодный критик Алексей Стрельников с восхищением пишет в Интернете: «Создатели сего действа так настойчиво пытались вырваться из контекста понятий «театр» и «спектакль», что невольно задумываешься о том, стоит ли насильно их втискивать туда обратно?» При всей броскости этой фразы, она не снимает основополагающего вопроса: а если не в пространстве театра собираются реализовывать свои творческие потенции эти молодые люди, то где? Жаль будет для нашего искусства расстаться с театральными «звездочками», каковыми зарекомендовали себя молодые актеры Валентина Гарцуева, Ольга Скворцова, Екатерина Аверкова, Марина Климович и Александр Казелло! Но реалии жизни достаточно жестки, как и реалии театра, они предполагают следование определенным законам. Иначе – тупик и оправдание великого шекспировского афоризма «Из ничего не выйдет ничего»… А как попытка выявить нечто новое, обогатить этим новым сценическое искусство, равно как и заявить себя в нем, проект «Cafe «Поглощение», можно считать, показал себя достойным – он получил сходные награды: «За эксперимент и смелость» от молодежного жюри и «За свободу творческого самовыражения» от жюри (экспертного совета) форума.
…И, наконец, о последнем «этаже» экспериментального поиска могилевского «Март-контакта».
Речь идет о мастерской молодой режиссуры (одна из особенностей могилевского фестиваля), которая имеет, как показалось, двойственную задачу: представить зрителям форума начинающих белорусских драматургов, поддержать молодых отечественных режиссеров, стимулировать их совершенствование на профессиональной сцене.
В центре внимания нынешнего фэста оказалась драматургия Павла Пряжко.
С этим молодым драматургом связана парадоксальная ситуация: на родине он известен разве что в элитарных театральных кругах. Отрывки из его пьес были использованы в ходе онлайн-представления на минской «Панораме», а выросший из этого спектакль «Когда кончится война» поставлен в Республиканском театре белорусской драматургии. В то же время в России П. Пряжко считается новатором, спектакли по его пьесам номинируются на «Золотую маску». Драматургическое мышление П. Пряжко жесткое, динамичное, речь персонажей зачастую переполняется ненормативной лексикой, герои, по большей части, отличаются асоциальным поведением. И в то же время в их отношениях, разговорах чувствуется внутреннее, не надуманное напряжение, что всегда отличало подлинную драматургию от драмодельства, которого тоже хватало во все времена.
На могилевском фэсте были представлены четыре мини-спектакля. «Рай» в постановке Антона Кудревича прозвучал как пролог к разговору о союзе молодой драматургии и режиссуры, Татьяна Артимович в «Солнце Аркадии» выстроила отношения людей на внешней метафорике (герои ее мини-спектакля все время вырезают сложный геометрический узор из бумаги – на фоне исповеди, как подрезаются крылья у человека). А вот Денис Федоров, молодой режиссер Слонимского драматического театра, поразил умением тонко извлекать подтекст из сложной драматургической ситуации. Он отважился представить зрителям одну из самых сложных пьес П. Пряжко «Легкое дыхание». Речь идет о взаимоотношениях, далеких от традиционных, двух девушек-студенток. Причем авторский текст постоянно прерывается отступлениями, с долгими писательскими разъяснениями ситуации. Все это создает дополнительные трудности для режиссерской трактовки (уж не говорю и о положениях, и о лексике, которая не всегда может считаться нормативной). Но режиссер, как и молодые актрисы театра, справились: сквозь всякую «накипь и шелуху» представили человеческое стремление молоденькой девушки, которой «много от жизни не надо, хотела на вечер ходить, все мозгами своими добыть». За ее спиной видения прошлого: «меня отец бил, мать, сестру»…
Но апогея выездная лаборатория Республиканского театра белорусской драматургии достигла, несомненно, в режиссерской постановке Павлом Харланчуком пьесы Павла Пряжко «Урожай». Здесь четверо молодых сборщиков яблок, начав с того, что «прикольно собирать яблоки», заканчивают тем, что полностью проваливают сбор. За бытовыми и вполне ясными проблемами вскрывается глубинный пласт иного смысла. Достойная, без всяких скидок, профессиональная работа! И глубокая благодарность от всех театралов республики организаторам этого интересного представления – мастерской молодой режиссуры (руководитель А. Марченко) за их кропотливую вдумчивую работу по приближению будущего отечественного театра…
ФОРМАТ ИЛИ НЕФОРМАТ?
Несколько слов о работах зрелых мастеров, которые могли бы составить конкуренцию за высшие награды фестиваля.
Таких белорусских «вторжений» на форуме оказалось три. Что и говорить, цифра сама по себе любопытная: ни на каком отечественном театральном фэсте не приходилось сталкиваться с таким минимумом.
Но еще интереснее оказалось то, что два спектакля представил Могилевский регион, а не столица. Впрочем, именно этим единственным столичным спектаклем, собственно, и открылся форум. Национальный академический театр имени Янки Купалы представил пьесу классика белорусской литературы Винцента Дунина-Марцинкевича «Пинская шляхта» в постановке нынешнего художественного руководителя театра Николая Пинигина. Спектакль за два года своего существования обрел необходимую зрелость и мощь, но, странное дело, не вызвал восторга ни у профессионального, ни у молодежного жюри. Что касается могилевских зрителей, то они, по моим наблюдениям, были в восхищении.
Особенно больно было слушать суждения российских критиков из Москвы и Санкт-Петербурга, которым этот спектакль виделся академическим (читай: замшелым). Большинство из них были единодушны во мнении, что спектакль не вписывается в формат молодежного театрального форума. Между тем, это и значимый, и знаковый спектакль для всякого, кто хотя бы поверхностно знаком с белорусской национальной культурой.
Спектакль сделан в характерной пинигинской манере, упругой и пластичной, фарс-водевильное начало в нем, переплетающееся с сатирой, в финале взрывается высокой трагической нотой, когда наши однодворцы-шляхтичи занимают круговую оборону, вздымая над головами потертые родовые хоругви… Да и актерскими работами спектакль не обделен: виртуозно работает Виктор Манаев в роли Крючкова (специальный приз жюри «За мастер-класс для молодых актеров»); как всегда, достоверны Геннадий Гарбук и Наталья Кочеткова в роли родителей, обаятельна и сама героиня в исполнении Анны Хитрик, интересен в целом ансамбль, состоящий преимущественно из молодых исполнителей… Но… Может быть, и в самом деле неформат?
От вершины – к низине. Так можно охарактеризовать переход от купаловского спектакля к следующему белорусскому профессиональному «вторжению» на сцену могилевского фэста. Речь идет о спектакле Могилевского областного театра драмы и комедии имени Дунина-Марцинкевича по пьесе Андрея Карелина «Хочу быть хомячком, или Привет Бессону» в постановке режиссера Максима Сохаря. Постановщик – прошлогодний выпускник Белорусской академии искусств, с нынешнего года – главный режиссер театра, исполнители – Игорь Бурак и Павел Микул – актеры того же театрального коллектива. Спектакль, словно луч прожектора, осветил хоть на краткий миг проблемы нашей театральной глубинки. Тому, что позитивного впечатления представление не оставило, есть, на мой взгляд, несколько причин. Прежде всего – претенциозность пьесы. Нельзя сказать, что она ни о чем, но попытка автора позиционировать бытовую историю в качестве чуть ли не вселенской драмы, по крайней мере, смешна. Не менее чем и обозначение пьесы в качестве «комедии для тех, кто смеялся вчера». Спектакль выстроен несколько однолинейно, и энтузиазм молодых актеров его не спасает… Суету бытия они обозначили, а подняться над ней – так и не получилось. Броское название «хомячки» тоже выглядит неорганично, ибо хомячки – это бездуховные животные, которые непрерывно жуют. И возникает вопрос, какое это имеет отношение к двум интеллектуалам, которые обсуждают даму своего сердца, любовь и бытовые проблемы… Естественно, критика, как и зритель, встретили спектакль более чем прохладно. И это тоже своего рода урок. Молодость не может служить основанием для индульгенции: если ты вступил на профессиональную стезю, будь готов соответствовать!..
…Так уж получилось, что спасать репутацию белорусского театра выпало спектаклю хозяев форума – Могилевского областного драматического театра. Классическая вещь Александра Сухово-Кобылина называется «Смерть Тарелкина», здесь перед нами предстало гротесковое зрелище с жестко определенным названием – «Тарелкин».
Стало привычным явлением в нашей театральной критике сокрушаться на тему, что у нас под боком находится кладезь режиссуры (имеется в виду литовский театр с его ныне признанной во всей Европе школой режиссуры), а у нас в этом плане – воз и ныне там.
Другая проблема, правда, заключается в том, как работают наши актеры, привыкшие к психологической школе переживания, с литовской режиссурой, обычно отличающейся сложной и своеобразной метафорикой. Исполнитель главной роли Тарелки-на Николай Романовский признался, что ему сложно было в рамках предложенного режиссером Саулюсом Варнасом видения сжиться со своим героем, понять его до конца. Тем не менее, следует объективно отметить, что главная цель достигнута: спектакль отличается мощной энергетикой, в то же время он обставлен метафорическими знаками. Мощный круговорот действия напоминает мейерхольдовскую стилистику. Но самое главное достижение – это то, что концептуальное режиссерское решение, как часто бывает при литовско-белорусском театральном сотрудничестве,не мешает актерскому самопроявлению и выявлению. Иногда с натугой движущийся Тарелкин (Николай Романовский) в решающие моменты преображается: из «живого трупа» превращается в очень типичного (в том числе и для наших дней) афериста и стяжателя. Его антипод Варравин (Владимир Петрович) поражает своей фундаментальностью и обстоятельностью в преследовании нашего героя. Великолепна в своих недоумениях Мавруша (Елена Кривонос).
Но особенно привлекает своей легкой и изящной манерой исполнения артист Василий Галец в роли Расплюева (недаром ряд критиков нарекли эту манеру исполнения «французской»). Совершенно заслуженно он награжден специальным призом «За мастер-класс для молодых актеров». Спектакль могилевчан увенчан Первой премией фестиваля «За оригинальное прочтение классической драматургии».
Хочется обратить внимание на намечающуюся тенденцию, весьма важную для театрального процесса нашей страны в целом. Уже во второй раз за последние пять лет наш областной театр побеждает на международном фестивале, представляя театральный «продукт» очень неплохого качества. И во второй раз (первый раз это сделал Брестский областной театр) успех приходит при помощи литовской режиссуры. Тут есть над чем задуматься…
ГРАН-ПРИ
Его обладателем на форуме стал спектакль Орловского государственного театра для детей и молодежи «Свободное пространство». Орловчане, как оказалось, завсегдатаи Могилевского форума и уже завоевывали Гран-при. Их спектакль был показан во второй день фэста: день явно невыгодный с точки зрения претензий на главный приз. Но забыть этот спектакль оказалось попросту невозможно.
Спектакль «Белое на черном» в постановке известного санкт-петербургского режиссера Геннадия Тростянецкого поражает не особыми театральными приемами и не изощренной метафоричностью. Напротив, на фоне отчаянного поиска новых форм, так присущего современному театру, это зрелище могло показаться традиционным. (Руководитель пермского театра, почитатель МакДонаха С. Федотов так и сказал: «Я таких спектаклей видел миллион. Он не открыл передо мной ничего нового… Считаю, что такой театр сейчас несовременен».)
Однако загадка этого спектакля коренится в том, что даже опытный театральный критик временами как бы отключается, забывает о режиссерских приемах, сценическом оформлении, игре актеров. Потому что это тот самый миг, как сказал поэт, когда «кончается искусство, и дышат почва и судьба». Исповедальная интонация спектакля захватывает зрителя целиком. Повествование о жизни «советского испанца» Рубена Гальего, с детства болеющего церебральным параличом и обреченного, как и его друзья, на неминуемую гибель, ибо после специнтерната их, в брежневскую эпоху, ждет только дом инвалидов и медленная гибель.
…Это спектакль о стойкости человеческого духа. Многим зрителям он показался чрезмерно тяжелым (вряд ли они посетили бы его во второй раз), но он разрушает стереотипы, заставляет вникнуть в ситуацию и проникнуться ответственностью, вызывает сопереживание человеческому горю и восхищение несгибаемостью людей в трагических обстоятельствах. Исполнитель главной роли Рубена Гальего Артем Исаков поражает своей искренностью; весь спектакль – хорошей ритмикой, ансамблевостью. На фоне традиции проявляются и отдельные театральные эффекты: так, клоун предлагает девочке из зала написать имя главного героя маркером, зажатым в зубах (зритель получает наглядное представление, как это – без конечностей освоить письмо).
Финал спектакля производит мощное катарсическое воздействие. Словно из прошлого над залом повисает тень великого Аристотеля, разъясняющего суть катарсиса: приобщившись к трагической судьбе героя, человек новыми глазами смотрит на мир, искусство и на себя.
Гран-при, на мой взгляд, абсолютно заслужен Орловским театром, ибо он наряду с несгибаемостью человеческого начала утверждает необходимость театра как института духовности, каким испокон веков театр и является! И что показательно: молодежное жюри, вслед за взрослым, вознаградило театр «Свободное пространство», который получил призы сразу в двух номинациях: «Лучшему актеру» (Артему Исакову за роль Рубена Гальего) и «Лучшему молодежному спектаклю».
КОНТАКТ, УСТРЕМЛЁННЫЙ В БУДУЩЕЕ…
На форуме были представлены спектакли, которые если и не выходили на первый план, то все же оставили свой след в сердцах зрителей, обогатили палитру фэста. К таким работам можно причислить спектакль Молодежного центра театрального и киноискусства «Миг» (Санкт-Петербург) «Записки провинциального врача» по пьесе Е. Исаевой, где обаятельный хирург в исполнении Василия Реутова влюбил в себя весь зал. Постановку Николая Осипова из Харьковского центра современного искусства «Новая сцена» по известной интерпретации М. Угарова «Облом off», где на фоне вечного классического противостояния Обломов – Штольц речь идет о нас сегодняшних, теряющих каждодневно свой человеческий облик в бешеной погоне за мнимыми приобретениями. (Спектакль, совершенно не замеченный критикой, отличается концептуальностью и легкостью актерского исполнения.)
Но были на форуме и потери. Порой непредвиденные. Такие, как отмена из-за травмы актрисы петербургского спектакля «Галка Моталко» по пьесе новомодного украинского драматурга Натальи Ворожбит. (Говорят, такое случилось впервые за пять лет существования фестиваля.) Или предвиденные потери: обсуждение состояния современной белорусской драматургии не получило необходимого резонанса (хотя в нем участвовали такие известные белорусские драматурги, как Сергей Ковалев и Андрей Курейчик). Вероятно, тема не слишком интересовала «зарубежных» театральных специалистов, да и отечественные выплеснули огромный ушат эмоций на мастерскую молодой режиссуры по пьесам Павла Пряжко.
В целом, Могилевский «M.@RT.контакт» в год своего первого юбилея прошел интересно и качественно. И за это мы должны сказать великое «спасибо» многим моги-левчанам, принимавшим участие в его организации. Особенные респекты, конечно, директору Могилевского областного театра Андрею Федоровичу Новикову и директору форума режиссеру, актеру этого же театра, его идейному вдохновителю ВладимируПетровичу. Без самоотверженного труда и энтузиазма этих людей фэст, который постепенно становится знаковым событием, касающимся развития всей нашей театральной культуры, явно не состоялся бы. Фестиваль растет с каждым годом, методом проб и ошибок набирает высоту. Этот праздник, устремленный в будущее, дорог всем: от председателя Союза театральных деятелей до юного зрителя из Могилева. Скажу больше, с ним во многом связывают будущее белорусского театра, нашей культуры.
«Солнце встает на востоке» – говорит известная пословица. Солнце нашей теат-ральной культуры сегодня тоже восходит на востоке: в Могилеве, на «M.@RT. контакте».
Могилев – Минск
Вадим Салеев, БЕЛАРУСКАЯ ДУМКА № 8 2010
